Hannelore Baron (1926-1987)

Hannelore Baron nació en 1926 en Dillingen, Alemania. En 1938, tras la noche de los cristales rotos, cuando los Nazis les hecharon de su casa y se llavaron para siempre a su padre, huyó junto con su familia a Luxemburgo, Francia, Portugal y por último a EEUU donde llegó en 1941 y residió el resto de su vida. Se instaló en el Bronx, estudió en la universidad se casó con un librero y tuvo hijos.

Una mujer cualquiera, una madre de familia, que en la mesa de su cocina se dedicaba a crear collages con telas, alambres, trozos de madera, etc, hasta crear toda una obra artistica de cientos de collages y objetos únicos.

Los collages y assemblages de Baron son obras abstractas en las cuales el material utilizado y la manera de unir los diferentes trozos de materia, son la obra en sí misma. El objeto creado, es la obra. Siento si esto suena a: ¡ya lo sabemos! ¡petarda!

Esta mujer era hija de un artesano que vendía manteles, colchas, telas, que él mismo creaba. Pieza únicas con las que decorar la mesa o el sofá de las casas burguesas alemanas. Estas piezas se crean siempre a base de motivos reconocibles, en ocasiones tradicionales de una zona concreta. Por ejemplo, las flores, de la zona y sus colores, motivos que ya se encuentran en la naturaleza, y que los artesanos llevan a la decoración del hogar. Con esto quiero decir, que la decoración, los colores que nos rodean, incluso los que nos vende Ikea, no nacen de la nada, vienen de una tradición decorativa anterior que de manera inconsciente ha ido pasando de generación en generación.

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H. Baron en su estudio del Bronx 1970

Hannelore conocía esta tradición, y los métodos de su padre a la hora de crear sus piezas. Ella misma se apuntó a la universidad para estudiar diseño de moda. Así que la elección de la tela como soporte para su obra, no es algo casual. En su caso es algo que viene de la infancia, de ese trauma en el que se convirtió su infancia huyendo con tan solo 12 años de una muerte segura. Y si como decía Machado «mi patria es la infancía» se podría decir que toda la obra de Baron es un homenaje a aquella época. Un intento de volver a los orígenes de su propia existencia. O quizás no, quizás solo cosía unas telas a otras, les imprimía pájaros y flores que ella misma dibujaba porque quería hacer algo con sus propias manos y escapar de las depresiones que tenía. No lo sé, esto es lo bueno del arte contemporáneo, que no hay una sola respuesta, así que cada uno puede ver estos collages y hacerse sus propias ideas. Con esto no quiero decir que todas las respuestas sean válidas, lo que quiero decir es que todas las preguntas lo son.

Baron fue autodidacta, y no sé hasta que punto conocía la obra de otros artistas contamporáneos, que al igual que ella mezclaban materiales pobres, telas baratas, restos de cosas, para crear obras de ensamblaje. Seguro que viviendo en el Nueva York de los años 50 y 60 algo conocía.

No quiero que esto sea una chapa de historia o teoría del arte, lo primero porque para eso estan los especialistas y lo segundo porque no me acuerdo de casi nada de lo que estudié hace 10 años. Pero para no repetirme en posts posteriores, donde sin duda habrá artistas no figurativas, me gustaría explicar el sentido de esto que aqui llamo «abstracto».

Si nos ponemos en este caso concreto, podríamos decir que no hay nada de figurativo en querer plasmar en una obra de arte plástico, el miedo, la rabia, el dolor, lo desconcocido, la depresión o la inseguridad. Todas estas palabras son imposibles de representar, no hay una imagen predeterminadas para ellas, ni siquiera un emoticono podria mostrar al completo el sentimiento de miedo de alguien que ve como entran en su casa unos hombres gritando y destrozándolo todo para llevarse a tu padre al que no vuelves a ver. Yo no se qué color, qué material hay en el mundo para describir eso. Bien, pues ¿por qué no esta materia? ¿Por qué no esas telas? la madera, el metal, ¿por qué no esas piezas pequeñas y frágiles?¿Por qué no pueden ser la muesra de ese sentimiento tan humano, tan real? Si Kandinsky pintaba la música con círculos de colores y Monet la Luz con nenúfares, ¿por qué no se puede representar todo lo demás con cualquier otro tipo de material? Como veis, muchas preguntas.

Sin duda las obras  de Hannelore Baron son muy personales, cuesta adherirlas a un estilo u otro, y cabe destacar que no hay evolución en ellas. Así que si en los 50 y 60 el expresionismo abstracto y el informalismo eran el no va más del arte moderno, en los 70 y 80 el mercado del arte y los artistas se volvieron mucho mas POP. Sin embargo, esta evolución de estilos no se ve reflejado en su obra, como si en la de algunos de sus contemporáneos. Por eso me atrevo a decir, sin más conocimiento que mis ojos, que se trata de una obra muy muy personal, casi íntima.

Baron fue una creadora muy compleja, que tuvo la suerte de nacer en el SXX y de vivir en Nueva York, donde se le reconoció y se reconoce su obra incluso a día de hoy.

 

http://www.hannelorebaron.net

FEDE GALIZIA (1578-1630)

 

Fede Gallizi fue una pintora de finales del SXVI en Milan. Como no podía ser de otra manera su Padre, Nunzio Gallizi, era pintor de miniaturas, y le enseñó el oficio a su hija.

Por lo visto Fede ( que no es diminutivo de Federica sino que significa Fe en italiano) era una niña con muy buen ojo y aprendió rápido. Durante su juventud aprendió con su padre todos los misterios del óleo, y cuando ya fue una mujer independiente pues se dedicó a pintar lo que le pedían o lo que le dejaban.  Con esto me refiero al clásico: Esta chiquilla pinta muy bien las manzanas porque sólo le piden bodegones, y claro pues de tanto pintar manzanas ya le salen maravillosas. Bien, sin duda que Fede también pintó retratos, y algún cuadro de historia muy notable, pero se especializó en el bodegón siendo una de las primeras artistas (en general, no solo mujer) en dedicarse a este género en Italia. Lo que en Historia del Arte llamaríamos una precursora, una innovadora, una pionera, de un género casi desconocido en Italia y que sin duda después de ella, y de otros muchos, fue un género muy importante a través del cual explicar la pintura Barroca.

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Fede Era una buena pintora, que pintaba bodegones porque le daban de comer y porque es a lo que una mujer podía pintar sin problemas, y con mercado, en el s XVI.

No era una cuestion solo de talento o de mérito, era mas bien,  que antes de proponer una gran pintura de Historia o los frescos de una super iglesia italiana a nuestra querida Fede pues seguramente se lo ofrecían a otro artista (varon) que posiblemente tenía su mismo talento y mas privilegios. Y no, no exagero, para muestra un botón. Sin necesidad de leerme ninguna monografía sobre Galizia, me he encontrado con que mucha de su obra no se conoce porque fue atribuida a otro artista  ¡OMG! A un colega suyo, Panfilio Nuvolone (1581-1651) El tan Panfilio pintaba también muchos bodegones muy muy parecidos a los de Galizi,y claro, ante la duda, los expertos del CSI Historia del Arte decidieron que tenían que ser de él. Seguro que es una casulidad, pero por favor, si alguien conoce a algún artista hombre cuya obra haya sido atribuida a una artista mujer que me lo diga (No será la última vez que se hable de esto aqui)

Tenemos entonces a  una artista innovadora, son sus bodegones y sus maravillosos retratos tan sombríos y detallistas como el que más, de esa loca época a la que llamamos Barroco.

El cuadro que os invito a ver es «Judith con la cabeza de holofernes»  1596 del que por lo visto hay una copia en el Palacio de la Granja en Aranjuez. Es curioso que este tema, uno del antiguo testamento que ya os podéis leer porque es muy chulo, ha gustado mucho a las mujeres artistas, será por eso  de cortar cabezas machirulas. En este en particular, mucho menos agresivo que otros, Galizia decide firmar en la hoja del cuchillo aún manchado de sangre, ¡Toma Barroco!

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pd: https://www.youtube.com/watch?v=8ovESXhI-Yg